Juegos de estudio. Acte I – Bruxelles

L’IVAM et l’Ambassade d’Espagne auprès du Royaume de Belgique présentent le premier acte de Juegos de Estudio.

Ce printemps, l’Ambassade d’Espagne auprès du Royaume de Belgique prévoyait d’accueillir dans le LAB l’exposition audiovisuelle Juegos de Estudio. Vidéo expérimentale dans la collection de l’IVAM (1968-1986).

Organisé par le Vice-rectorat de la Culture de l’Université Miguel Hernández à l’occasion du 30e anniversaire de l’IVAM (Institut Valencià d’Art Modern de Valencia), l’un de ses objectifs est la valorisation et la diffusion de ses collections patrimoniales grâce aux contributions de ses conservateurs (chercheurs universitaires dans le domaine scientifique) et à la collaboration avec des créateurs contemporains. Ce projet culturel, curatorial et éditorial s’intéresse en particulier à la figure de l’artiste et à son processus de création, en revisitant les œuvres d’art vidéo classiques (celles de Dara Birnbaum, Fischly&Weiss, Bruce Nauman, Richard Serra et John Whitney) à partir d’une approche expérimentale et ludique. La publication propose également une conversation conceptuelle et formelle entre les œuvres sélectionnées de ces artistes pionniers de l’art vidéo et un groupe d’artistes contemporains. Compte tenu des mesures sanitaires adoptées par la COVID-19, cet événement a été transformé en une exposition en deux phases.

L’équipe de l’exposition Juegos de Estudio. Acte I – Bruxelles (exposition numérique) est formée par Andrea Canepa, Fito Conesa, Mariana Echeverri, Valle Galera et Joan Morey, artistes responsables des dialogues éditoriaux, qui se succèdent désormais dans une séquence temporelle enchaînée à travers leurs propres œuvres de création vidéo qui continuent à influencer les différentes dynamiques ludiques. Ainsi, entre le 27 juillet et le 27 septembre, une vidéo de chacun d’entre eux sera publiée et sera disponible sur ce site pendant une semaine.

Andrea Canepa

• 27 juillet–2 août 2020.
• The Tale of the Mass, the Grid & the Mesh, 2020, vidéo numérique, 25 minutes.

La vidéo The Tale of the Mass, the Grid & the Mesh est une étude tactile de l’histoire de l’abstraction. Des histoires sur l’évolution de l’écriture, de l’architecture, du travail et de la pédagogie sont liées de manière associative dans une anthologie visuelle des éléments constitutifs du XXe siècle.

Fito Conesa

• 31 août–6 septembre 2020.
• Midgard, 2016, vidéo HD, 14 minutes.

A partir d’une annonce manquée dans la page de contact carreterasgay.com avec laquelle l’artiste entendait commencer un voyage accompagnant un utilisateur de ce web, Conesa fait un bilan de son propre avatar à l’intérieur de plusieurs applications et pages de contacts entre hommes. Un voyage qui lui permet de revoir et d’interroger la construction de son être virtuel et l’imposition homonormatique de ces espaces de plaisir. Il est confronté à l’idée d’appartenir ou de se référer à un univers virtuel qui finit par imposer ses règles. Le fait de comprendre votre corps en dehors d’un canon spécifique fait de vous un étranger direct.

C’est précisément à partir de cette prémisse que Fito élabore un texte dans lequel il aborde l’idée ou le pli qui se produit entre Richard Serrá en tant que sculpteur et Serra dans ses approches de l’art vidéo.

Serra dans larue est imposant. Richard in the studio is rhapsody (phrase tirée de la publication de Juegos de Estudio).

Le comportement standardisé, totalitaire et formellement radical des sculptures de Serra dans l’espace public est souligné de manière frontale par ses propositions vidéo. Ces propositions sont pleines de possibilités, de portes ouvertes et de multiples façons de ressentir. En substance, c’est la même personne, mais tandis que l’un habite les espaces du prévisible et du structurellement accepté, l’autre s’interroge et explore, en venant à comprendre et à incorporer son corps dans un nouvel univers, l’univers de l’autre.

Mariana Echeverri

• 7–13 septembre 2020.
• Yo Miento Mucho, 2020, animation, 3 minutes 29.

Par le biais de la répétition et l’hypnose, tant de l’animation que du flux de la bande sonore, Yo Miento Mucho joue avec la perception et le langage, nous manipulant, nous pénétrant et nous invoquant dans le voyage.

Valle Galera

• 14–20 septembre 2020.
• Reflejos, 2009, vidéo-performance pour petit écran, 5 minutes.

Vidéo-performance qui ironise, à travers le genre filmique des comédies musicales, le fanatisme pour l’adaptation au groupe, au genre ou à l’établi. C’est une danse avec l’image mentale que nous croyons projeter socialement de nous-mêmes, cependant, en réalité nous ne pouvons pas nous voir, ce n’est qu’une imagination, un reflet de notre pensée. Tout comme cela se passe dans le spectacle.

A travers le jeu de la danse, la fascination pour l’autre se fait jour, le désir et l’identification au groupe. De même, la lutte pour maintenir une individualité incertaine se réduit de plus en plus. La danse commence de manière improvisée, mais les enregistrements successifs (cinquante au total), finissent par consolider une apparente véritable chorégraphie. Ce qui semble établi n’est rien d’autre que la répétition fastidieuse et épuisante, une métaphore de la façon dont en répétant certains mouvements et gestes, on finit par stipuler le masculin ou le féminin. Et même en modelant le corps, la matière malléable.

Enfin, en pouvant rompre avec l’écriture marquée, des changements d’identification avec les rôles binaires ainsi établis sont rendus possibles.

Joan Morey

• 21–27 septembre 2020.
• NUEVA OLA o Desencert [NUEVA OLA o Desacierto], 2004, vidéo couleur et audio, 9 minutes 23’ (version abrégée).

NUEVA OLA o Desencert était une représentation de douze heures qui se déroulait à huis clos, à l’intérieur et autour d’une scène délimitée par des rideaux blancs translucides et un éclairage théâtral. Le projet a pris comme squelette le film Nouvelle Vague de Jean-Luc Godard de 1990 (qui traite de la domination et de la soumission), mais a en même temps inclus des éléments esthétiques et des influences stylistiques de deux autres “nouvelles vagues” : celle du cinéma expérimental français de la fin des années 1950 et celle du rock gothique britannique des années 1970 et 1980. Tout le processus a été enregistré et la vidéo qui en résulte, sous-titrée A Time to Love and a Time to Die, est un montage fragmenté et discontinu de 93 minutes, en partie fable morale et en partie clip vidéo anormal. La pièce comprend la bande sonore complète du film de Godard, bien qu’elle remplace certaines parties musicales de l’original par des chansons du groupe britannique Bauhaus.

La direction des protagonistes s’est développée selon la conception de Morey de “l’exercice de la subordination”, dans laquelle les instructions strictes de l’artiste sont imposées. Certaines de ces instructions intègrent des textes et des gestes explicitement tirés de Nouvelle Vague de Godard, dont le dialogue est à son tour pratiquement composé de citations d’œuvres diverses, tant littéraires que philosophiques.